JEAN-MICHEL OTHONIEL

 

NEW WORKS

 

Né dans les années 1960 à Saint-Étienne, ville minière et

ouvrière, Jean-Michel Othoniel grandit face aux réalités de

son environnement industriel. Il a aussi accès à la très belle

collection du Musée d’art moderne de Saint-Étienne, la

deuxième plus grande de France derrière celle du Centre

Pompidou. À l’âge de dix ans, il croise le travail du minimaliste

américain Robert Morris, une expérience qui le marque

durablement. Il voit l’art comme un univers parallèle, accueille

l’importance d’un côté espiègle, une philosophie qui a plus

tard défini sa pratique artistique. Dans cette nouvelle

exposition, les œuvres s’inscrivent dans la lignée de celles

montrées à la Collection Lambert à Avignon. Elles marquent

le réel intérêt de l’artiste pour le minimalisme et l’abstraction

et appuie l’idée que la beauté et la sensualité n’est en rien un

manque de radicalité.

Dans les années 1980, il emménage à Paris pour étudier l’art,

 

à une période qui transforme l’art occidental. Des mouvements

tels que le minimalisme, l’art conceptuel, le Fluxus, l’Internationale

situationniste, l’arte povera et le Land art, ainsi que les happenings

et les performances artistiques qui les accompagnent redéfinissent

alors les médiums artistiques, avec des installations multimédia

désormais très courantes dans l’art contemporain. Malgré l’expansion

de l’expression artistique, la crise du sida fait souffler un vent de

souffrance et de deuil insoutenable sur la communauté gay, ce qui

affecte profondément la vision du monde de Jean-Michel Othoniel.

Ses premières œuvres sont inspirées par le désespoir.

En 1917, Paul Klee, qui écrivait en plein milieu des horreurs de la

Première Guerre mondiale, observait : « plus le monde devient

effrayant (tel qu’il l’est aujourd’hui), plus l’art se fait abstrait, tandis

qu’un monde heureux fait s’épanouir un art réaliste ».

Les mots de Klee éclairent le sujet de la grille dans la peinture

moderniste, un motif qui incarne le confinement. Des grilles, monotones

et implacables, rappellent les parois impitoyables des cellules de

prison. Elles sont à la fois complètement nouvelles et sans cesse

répétées, n’offrant aucune possibilité de résistance, d’échappatoire

ou d’alternative. Et pourtant, c’est paradoxalement dans ce sentiment

d’impuissance absolue que la grille devient un passage. Elle fait du

corps une partie intégrante du chemin lui-même. Cette dualité entre

confinement et passage est la clé d’entrée dans le travail de l’artiste,

qui est profondément façonné par son expérience personnelle et les

contextes culturels avec lesquels il interagit. 

 

 

CRISTINA BANBAN

 

 

LORQUIANAS

 

Perrotin Paris a le plaisir de présenter Lorquianas, une exposition

personnelle de Cristina BanBan, artiste espagnole basée à New

York, composée de grandes toiles inédites et travaux sur papier

pour sa quatrième exposition au sein de la galerie. Ayant été

présentée pour la première fois en mai 2025 au Musée des

Beaux-arts de l’Alhambra à Grenade (Espagne), cette exposition

arrive à Paris enrichie de nouvelles pièces créées pour l’occasion.

Lorquianas est le projet le plus ambitieux de Cristina BanBan à ce

jour, et c’est aussi sa première exposition institutionnelle. Elle trouve

son origine dans une invitation à dialoguer avec la vie et l’héritage de

Federico García Lorca dans la ville natale du poète, Grenade. Sa

présence immuable dans la mémoire culturelle andalouse, et ses

personnages archétypiques et forts en émotions dans des œuvres

telles que Yerma, La Maison de Bernarda Alba, et Noces de sang,

 

constituent les fondements conceptuels de l’exposition.

Au cœur de Lorquianas se trouve une série de toiles immenses qui

répondent à la complexité émotionnelle et symbolique de l’univers de

Lorca. Dans Yerma (toutes les œuvres mentionnées sont de 2025),

Cristina BanBan s’inspire de la tragédie du même nom élaborée par

Lorca en 1934, dans laquelle la protagoniste, prisonnière de normes

culturelles de féminité et de fécondité, est peu à peu détruite par le

fait de ne pas avoir d’enfant. La plasticienne traduit cette tension par

deux personnages interdépendants, l’un en deuil et avachi, l’autre bien

droit et rappelant une statue. Sur des aplats entrecroisés verts, bruns

et bleus, ces silhouettes contrastent en taille et en tons, mais restent

liées par une même vulnérabilité. Leur relation n’évoque pas seulement

le désir de maternité, mais aussi la dualité émotionnelle, le refoulement

et la résignation, des thèmes centraux dans la pièce comme dans la

peinture.

Luto y ajuar explore une dynamique générationnelle qui est elle aussi

au cœur de la vision qu’a Lorca de la féminité espagnole, en particulier

dans La Maison de Bernarda Alba (1936), une pièce racontant la lutte

de cinq filles contre l’autorité étouffante de leur mère en plein deuil. La

toile de Cristina BanBan met en scène un contraste tout aussi fort :

des femmes âgées vêtues de noir sont assises face à des femmes

plus jeunes, dont les gestes hésitent entre confrontation et déférence.

Des bas colorés et des éléments domestiques (chaises rouges et

jaunes, cuisses dénudées) créent une tension visuelle entre solennité

et sensualité, qui fait écho à l’intérêt de Lorca pour le conflit entre

tradition et désir qui existe au sein du foyer