Les œuvres d’Adler Guerrier prennent souvent racine dans les espaces marginaux dissimulés au cœur des villes — arrière-cours, jardins, petits terrains partagés — là où la vie ordinaire est un terrain de résistance. Avec come … sit with us, il nous invite à flâner dans ces lieux modestes où la végétation fissure le béton et défie les clôtures, opposant à la dureté du monde la persistance du vivant. Disséminées dans le tissu urbain, ces poches écologiques résilientes encadrent le quotidien et offrent à chacun une échappée face à la rigueur des structures dominantes. Elles deviennent refuges de pensée, d’oisiveté et de liberté, des lieux de communion avec le naturel et le merveilleux, et préservent discrètement des utopies que la mécanique urbaine ne saurait accomplir.

Plantes et fleurs, omniprésentes dans l’exposition, introduisent une temporalité non-humaine. Plus que de simples ornements, ces végétaux qui purifient l’air et apportent de la beauté deviennent des guides et des repères, établissant un rythme de vie, un cadre pour une pratique de patience, d’humilité et de soin. Une fleur dans une cour, une plante en pot sur un rebord de fenêtre, un bonsaï ou un jardin commun entretenu par des voisins sont autant de gestes qui dessinent les contours d’un mieux-vivre. Dans ses photographies, Guerrier adopte la figure du flâneur, arpentant des lieux modestes pour « regarder et s’attarder », attentif aux éclats du quotidien. Son objectif capture des textures et des détails fugaces : des plantes entrevues à contre-ciel, subtil jeu de netteté et de flou, recoins silencieux où la perception amène réflexion. Ces images ne sont pas seulement les traces d’une itinérance. Elle sont une invitation à dériver, à habiter cet entre-deux où mémoire et poésie se rejoignent

 première exposition personnelle de l’artiste français

Ben Arpéa à la 193 Gallery, à Paris. Alors que sa pratique artistique semble englober dessin, peinture, sculpture et même design et architecture, plus que d'être composite elle se déploie presque de manière métaphysique entre texture et sentiment, paysages et natures mortes, souvenir et perception. C’est ainsi que ce nouveau corpus d’oeuvres devient le rendu tangible et visuel de moments vécus par l’artiste, dans une tentative processuelle de se rappeler, de se souvenir. Si pour Milan Kundera "La mémoire ne filme pas, la mémoire photographie” chaque toile semble, à ce titre, être une peinture photographique, une fenêtre sur la conscience de l’artiste, qui n’est pourtant pas figée. 

En se réappropriant l’espace qui l’entoure, Ben Arpéa crée des environnements où ce qui s’est passé se fond dans ce qui se passera, les lignes horizontales et verticales de ses tableaux deviennent alors sculptures, ossature d’une Mémoire flexible et vivante. Les différents soleils, protagonistes constants des toiles présentées, génèrent une lumière hypnotisante qui se propage dans l’espace. L’ambiance presque onirique qui en découle, rappelle ainsi, la chaleur réconfortante d’une Méditerranée délestée de son exagérée exubérance. Les couleurs vivent, les motifs précis qui définissent cette oeuvre picturale semblent insuffler dans l'atmosphère méditerranéenne de l’exposition, entre pins-parasols et couchers de soleils, une impression de dolce far niente, couplée, néanmoins, d’une douce solitude, qui se pourrait être partagée… À l'inverse de David Hockney ou même d'Edward Hopper, Ben Arpea n’a nul besoin d’inclure une présence humaine dans ses toiles pour évoquer la condition solitaire de l’individu, il la provoque dans l’espace d’exposition. Le public se positionne ainsi comme partie intégrante de l'oeuvre, poussé naturellement à contempler leurs propres expériences face à celles de l’artiste. Les oeuvres présentées sont donc, de par leurs poésies mais aussi de part leurs texture, mixte d’acrylique, peintures à l’huile et sable, matrices sensibles d’une pensée qui suit un flot précis, une expérience propre qui devient collective. Alors qu’elles semblent elles-mêmes devenir “éléments du quotidien”, les sculptures, ainsi que les meublent qui en dérivent forment un ensemble cohérent qui plonge le sujet dans l’objet, et vice versa. Le public se retrouve ainsi face à une multitude de perspectives personnelles, et étrangement familières, suspendu entre temps et espace, sensation et perception, zénith et horizon.